习近平总书记在全国文艺工作座谈会上指出：“我国作家艺术家应该成为时代风气的先觉者、先行者、先倡者，通过更多有筋骨、有道德、有温度的文艺作品，书写和记录人民的伟大实践、时代的进步要求，彰显信仰之美、崇高之美，弘扬中国精神、凝聚中国力量，鼓舞全国各族人民朝气蓬勃迈向未来。”新时代的中国文艺就应该能够回应经典、推陈出新，同时深扎大地、直抵人心。许海刚老师用作品诠释了一名艺术和教育工作者，深入生活、扎根人民。始终“以人民为中心”，四十年如一日的写生创作，数千幅的写生手账和精品力作是他艺术走向成熟和高峰的基石。
一、他是水彩画界的传承者
现代意义的水彩画1传入中国已过百年，因其技法特性与中国传统水墨相通，其气韵生动的画面调性深受画界喜爱。武汉是一个敢为人先的城市，湖北是中部地区的文艺强省。上个世纪五十年代，阿尔道夫·门采尔（Adolpyh Von Menzel 1815-1905）的素描展在武汉展出，当时的湖北艺术学院美术分部（现为湖北美术学院）已经将水彩画引入教学，黄铁山2，白统绪3等老一辈艺术家更是奠定了湖北水彩画的根基，并受阳太阳4，王肇民5，吴汉东6等艺术家的影响，培养了刘寿祥7，许海刚等一代又一代的著名水彩画家。
从1984年的第六届全国美术作品展览首次为水彩、粉画设立独立展区，湖北水彩画家就开始了获奖历程。从第六届到十二届许海刚老师获得金奖，每五年一届的届展，湖北水彩画家每届都有奖项和上佳的表现，从侧面反映了湖北水彩画发展的轨迹和历程。
在国外，最早绘制水彩风景画的是德国画家阿尔布雷特·丢勒（Albrecht Dürer ，1471年-1528年），之后还有Joseph Zbukvic，安德鲁·怀斯，JMW·透纳等。中国早期的水彩画受到西方影响，多以风景题材为主。许海刚老师早期绘画阶段的写生，基本在对自然、人文景观的游观阶段。色彩较淡、颜色也并不丰富。笔者认为一是水彩纸的承色和显色，二是受水彩颜料局限，但最重要的是画家受西方大师作品和中国文人画留白的双重影响下的审美习惯。从许海刚老师1985年的《风景》作品中不难看出当时的绘画习惯，注重留白与呼吸，富有诗意，柔美，混沌之中提拎出清晰的动人之处，总能恰到好处地安排着画面的虚实与观者的目光。这是许海刚老师继承和传承的时期，大量的写生与创作，逐渐将水性、技法、语言运用到了娴熟自如的状态。这也得益于就读湖北美术学院前在洪湖扇筷厂画国画扇面的经历，坚实的基础，线性的表现都透露着绘画的经验和能量。1986年的《岸边》和1989年的《毛毛雨》作品开始尝试新的绘画语言和新的媒介，表现出了较强的实验性和探索自身绘画语言的一面。
二、他是水彩画界的望远者
鲁迅在《且介亭杂文末集•这也是生活》中写道：“无尽的远方，无数的人们，都与我有关。”一个艺术家，面对广阔天地、无尽时空，内心定会升腾起一种浩然广大的精神气度。在聆听和体悟无数普通人的喜怒哀乐、悲欢离合之后，就会凝结出内心最炙热、最深沉的情感与关怀，由此产生的艺术一定是思想深邃、情感迸发、精炼细腻的。
刚结束的全国两会，全国人大代表、湖北省文联主席杨俊在发言中谈到：“在人工智能技术加速重塑文艺创作生态的当下，文艺工作者需保持清醒认知，算法可以模仿笔触，但无法替代艺术家的生命体验；算力能够生成旋律，但难以复刻创作者的心灵震颤。”是的，艺术是情感的升华表达，他是极其个体的，难以量化形成逻辑，这是当下算力无法模仿的，如同视觉的拓扑实验，不可定向，没有边界。品读许海刚老师的水彩作品，感如庄子“独与天地精神往来，而不敖倪于万物”的静谧与谦和，是在场的真情述说，是平实的视觉淬炼。
许海刚老师留校任教后，有计划的进行着系统化写生活动，以“写生手账”的形式记录下华夏大地乃至世界各地不同地域的自然人文风情之美。他漫步在我国不同省区的三十多个特色地域，融入、感知、精炼、形象的速记着祖国的天地大美、独特意蕴、风俗人情，关注生活、地貌、物产、民族、文化等。同时，他游历于欧洲的意大利、德国、希腊等国，追着乔托·迪·邦多纳（Giotto di Bondone 1266年－1337年）的足迹，记录着异域风情、人间烟火。佛罗伦萨的晨光，乌尔比诺的旧城、罗马古典建筑等，一本本“写生手账”仿佛是一本拍立得的摄影集，即时定格自己有感的瞬间，空白处写满文字，图文并茂。数以千计的作品，呈现展览出此次展览的190多幅力作。
知名油画家郭正善8有语：：“绘画时不要有太强的精品感和包袱，平实的去表达，在大量的绘画中，逐渐生长出一幅好作品。”其实烧制柴窑的陶瓷器具也是同理，埏埴以为器必有偶然也是必然，刻意时就匠气了。没有哪一个歌唱家是绑着紧张的嗓子把歌曲演绎完美的，唯有日常大量的演唱加调整，最后呼吸都与作品链接在一起，才能令人为之感染。
许海刚老师生性低调，勤奋务实，坚定执着。他是属于大器晚成的慢热型画家。湖北省是水彩画创作的大省，师承有序，他的作品却少有业内熟悉的“湖北水彩味”。虽然他在上世纪末本世纪初有过一段静物写生的力作《芦花》《静观》等，但马上又回到了诗和远方。他一直在努力摸索属于自己的个人风格和经验，真正确立自己的风格也较晚成（大约在2010年前后），此前他也尝试过国画颜料、丙烯颜料打底，也试过新的水彩媒介，新的画面语言和表达方式，但是最终他还是选择了一条比较纯粹的路。这也造就了他的绘画恬静深邃，只有水彩纸的自然肌理以及水彩颜料与水的融合晕染，干净明快，不拖泥带水，没有丝毫油腻，落笔准确而不失轻松。犹如一位功底深厚的歌唱家的清唱，温润细腻无尽回味。
在绘画题材上，他一直对藏族各式绸缎、皮毛、氆氌、棉帛制成的藏袍，让人眼花缭乱的耳环、胸饰、腰饰、戒指、手镯等各种配饰，围观者人山人海祈求来年吉祥的民俗产生了浓厚的兴趣。自此他默默的踏上了写生之路，深入藏族聚居区，体验藏家的年味，在那里他度过了三个春节，零下20℃的藏区，连水管都冻住了，他依然坚持写生。人们都沉浸在春节欢愉的气氛中，他独自一人以艺术家的眼光去观察、去写生、去感悟，产生了大量的写生手账和绘画小稿，将人文之美转化为艺术之美、绘画之美，为日后的创作积累丰富的素材手稿。
沃尔特·佩特9在1877年提出过一个重要观点：“一切艺术都趋向于音乐。”其实在盛唐，诗人王维就在诗中写道“诗为有声画，画为无声诗”，我们也常讲“建筑是凝固的音乐”“雕塑是凝固的诗”等等。我们为什么会有这种感觉？其内在联系是怎样的？是什么样的意境让我们把听觉、视觉、触觉、味觉、嗅觉贯通起来？笔者在《走进亮宝节》这幅作品里找到了答案。
许海刚老师的作品是有音乐性的，在听不太懂藏族同胞的语言时，笔者料想当他置身其中，听到节日里所有人都在用藏语交谈时，他听到的不再是语言，而是音乐，是一种有逻辑结构的声音，伴随着现场的祭仪声，使他深切的感受到个中的意象。这种体验就会在后续的创作产生音乐性和既视感，在创作的过程中，这种声音会再次在耳边响起，甚至还有一定的烟火气和衣物的质感，生长成画面的整体氛围和节奏，变成情绪和审美的一部分，这恰恰是AI人工智能所无法生成的。
三、他是水彩画界的攀登者
近十几年来水彩画高质量发展，水彩纸、颜料等也发生着重大的变化。纸张幅面越来越大，棉浆比例越来越高，纸张克度也越来越适宜创作，显色沉稳，干湿画法可塑性强。颜料耐晒度高，色彩纯正细腻，色域广，而且有了很多迷你的固体颜料，易于携带，非常适合画家采风时随时作画。水彩这种“小画种”“创作底稿”担起来大场面的使命，一改小幅、简练、概括、轻松、明快的定式，向大幅、精微、细腻、丰富、厚重的深度刻画上转变。
《走进亮宝节》纸本水彩 150cm×180cm
许海刚老师的作品一直在突破与创新，也逐渐呈现出大画幅的趋势，2013年《走进亮宝节》-纸本水彩，画面尺寸150cm×180cm，这种水彩画的巨制在十年前是少有的。显然这幅作品不是现场写生，英雄群像似的多人物组合，是他超越写生的再创作。他受到中国古代绘画独特的写生传统的影响，“画意”中都予以其形象的“理想性”，聚焦其独特灵动的生命状态和蓬勃生机。整体与局部中，计较画面的结构美感和画面节奏。常年的藏族人物写生，完整、深入，个体生动神态的细致刻画，是他身为汉族对藏族同胞的欣赏与新时代形象的展现，是原来很多描绘藏族人民的绘画作品历尽沧桑形象的再认识。
《亮宝节上的人们》纸本水彩 156cmx150cm
2014年全国美展的金奖作品《亮宝节上的人们》-纸本水彩，画面尺寸156cm×150cm ，就是《走进亮宝节》的姊妹篇，这是单个人物写生到创作《走进亮宝节》之后的再升华。与《走进亮宝节》矩形构图不同的是，这一幅采用方形的构图，以红色为主导的暖色调，让人有一种红红火火的节日氛围，层层叠叠的人物呈现高耸的雄浑感。画面边缘的暗角，将光线放在了画面中间，如同云层边缘透下的自然光影，色彩的纯度表现出的光感，干、湿画法的结合呈现水彩的透明感，展现了身穿盛装藏族同胞的自信与贵气的一面，给人以纯洁、朴实、善良、静慕、真诚品质。老子的《道德经》说道：“挫其锐，解其纷，和其光，同其尘，是谓‘玄同’”。中国的文艺承载着中国人的心事，承载着中华民族对人道的理解和感悟，在画面的组织上，是明确主题的精心安排，没有“战神”这一亮宝节上的主角而是普通的观众，这些“亮宝节上的人们”成为了画面的内容，从人间的最底层兴发，直通人性和心灵的最深处。视角的转换使得画面没有了主角和配角，就像镜子转过来照见了每一个参加亮宝节的鲜活的自己。
《走进亮宝节》与《亮宝节上的人们》虽为姊妹篇，但两幅画中并无一人雷同。主展厅中在展示两幅作品的同时，也展出了创作单个人物时的绘画作品，老妪、中青年女子、小孩等，都有着不同的个性和神态。光感的刻画和丰富的色彩关系，服装不同面料的质感，配饰的细节与整体关系等都是经过了反复推敲。白颜料的弃用确保画面透明的效果发挥到极致，水彩特质的不易修改和许老师笔触的肯定让画面更加耐看，一气呵成松快稳重。
《新靴》
美术馆展厅开篇的第一幅创作过程稿中，作品《新靴》引起了笔者的共鸣，在画面温暖的色调里，藏族小孩穿上新靴后走几步撩起脚，查看自己的鞋子是否被积雪弄脏了，或者自我陶醉似的再欣赏一眼，姿态是那么的天真传神，脚翻起的角度足以一眼瞥见鞋底，雪面精简的笔触和湿画法的人物与远景，一下子把观者拉回了童年。这就是艺术家对生活的细致观察的特写放大。一幅艺术作品想让观众产生多少感动，我想他一定是知道的。
毕生的热爱是停不下来的。美术馆二楼的画电影系列，是许海刚老师在疫情期间不能出门时画的。他在经典的影片中，发现了美的画面和构图，马上就拿起“写生手账”开始了图文的记录。慢慢的形成了绘画小稿，最后产生了一批高质量的绘画作品。《西部往事》《漫长的婚约》《都灵之马》《简爱》《花开花落》《海上钢琴师》《西西里传说》《教父》等他把经典的电影画面用水彩的点彩重现，充满诗意的场景和精致细密的色彩中，是他自己重新诠释的独有的水彩审美品位。
在近四十年的教学生涯中，许海刚老师亲自带学生外出写生，并坚持给学生示范，写生中他往往比学生画得多。有一次感冒发烧了，学生以为他会休息，结果他还是像往常一样早早的达到现场开始了示范。夏天写生，他带着太阳伞，他不是为了遮阳，而是害怕写生时画干得太快影响了绘画，是在为作品撑伞。
习近平总书记在今年“两会”期间的政协会议的民盟、民进、教育界委员联组会议上强调：“好学校要看大师，不光是看大楼。”作为拥有105周年办学历史的湖北美术学院，是我国近、现代高等美术教育的重要发源地，德承百年期颐艺境，大师云集群星荟萃。
在农历“二月二·龙抬头”开幕《行走大地·许海刚老师水彩艺术展》展览，让师生们与大师同行，赓续学脉守正创新，去审视、梳理、感悟自身的为人为学为艺为师之道，是精神的洗礼，灯塔的领航。
根据观众观展量，学校延长了展期，观展者仍络绎不绝，评论文章纷至，笔者料想这就是艺术的感召，好作品就有这样的力量，让专家鼓掌，群众点头。
笔者在与策展人刘茂平10老师和展览总监张杰11老师的交流中，看到了策展中在文献、展陈、叙事逻辑中的良苦用心，一切都是为了衬托作品的呈现。虽为金奖作品，画展中也没有采用戒备森严让人产生距离感的展览方案，让作品尽可能的贴近观众。通过展览将许海刚老师由大师回归普通劳动者的日常，一个有血有肉，有纠结有犹豫有迷茫的实实在在的普通人形象，向观者娓娓道来一个坚守初心，坚持以人民为中心的创作导向，深入生活、扎根人民，为心中那份热爱付出所有的人应得到的肯定和尊重，成功的背后没有捷径可走，这正是立德树人的重要部分。
1.水彩画最早可以追溯到人类原始时期，现保存下来的西班牙阿尔塔木拉洞窟画《野牛》、中国仰韶文化晚期秦安县大地湾的原始地画，可以看成是人类最早采用的用水调和颜料的彩色绘画。现代意义的水彩画专指欧洲文艺复兴时期开始发展起来的一个画种，15世纪末出现的，到16世纪初才逐步发展起来，这一时期的水彩画，主要是为了油画、壁画或铜版画的成稿所作的底稿。1804年，英国成立了第一个水彩画团体，1808年成立了“水彩画家联合会”；1831年又成立了“水彩画家学会”。到了近现代，水彩画在全世界范围内得到了发展，进入了更为广阔的创作领域。
2.黄铁山，1939年生，湖南省洞口县人，1959年毕业于湖北艺术学院，曾任湖南省美协主席，第一届中国美术家协会水彩画艺委会副主任及第二届主任、湖南省文联副主席。
3.白统绪 1937年12月生，毕业于湖北艺术学院，湖北省美术院专业画家。一级美术师，中国美协会员，湖北水彩画研究会会长，中国水彩画家学会副会长，湖北美协理事，原水彩水粉艺委会主任。
4. 阳太阳（1909年12月6日—2009年8月25日），男，广西桂林人，原名阳焕，又名阳雪坞；晚号芦笛山翁，80岁后称画童。是中国美术家和艺术教育家，擅长中西绘画、书法和诗文，是一位德高望重、成就杰出的艺术家。阳太阳是“漓江画派”的开拓者、旗手和领军人物。
5.王肇民，男，安徽萧县人，（1908-2003）著名画家、美术教育家。曾用名王兆民。1929年毕业于江苏省徐州中学。1933年毕业于国立北平大学艺术学院。1934年任北平私立艺专教授兼训育主任。1942 年任重庆燕儿洞小学教员。新中国成立后曾任中南文艺学院和中南美专讲师。1961年任广州美术学院副教授。1979年出席第四次全国文代会。
6.吴汉东（1941年9月—2025年3月30日），江西人。擅长水粉画、连环画。1959年参加工作；1970年到武昌区文化馆任美术摄影部主任；1986年结业于中央美术学院。中国美术家协会第七届理事、湖北省美术家协会第六届主席团驻会副主席。[2]曾任湖北省美术家协会秘书长、一级美术师。
7.刘寿祥（1958年4月-2020年2月13日） ，湖北武汉人。擅长水彩画。1981年毕业于湖北艺术学院美术系师范专业，并留校任教。中国美术家协会水彩艺术委员会副秘书长，湖北美术学院美术教育系主任，教授，水彩画硕士生导师。
8.郭正善，1954年7月出生，原名郭真善，湖北武汉人。油画家。1983年毕业于湖北艺术学院美术系油画专业，1990年在本院助教班读完研究生课程。湖北美术学院油画系教授。
9.沃尔特·佩特（Walter Pater）（1839－1894），英国著名文艺批评家、作家。他是上世纪末提倡“为艺术而艺术”的英国唯美主义运动的理论家和代表人物，文风精练、准确且华丽。其散文和理论，在英国文学发展的历程中有着很高的地位。
10.刘茂平，男，1963年生于湖北荆门，1986年毕业于华中师范大学中文系，武汉大学哲学（美学）博士，现为湖北美术学院教授，湖北美术学院党委常委、副院长。中国美术家协会会员，中国美术家协会美术教育委员会委员，中华美学学会会员，湖北省美学学会副会长。
11.张杰 ，男，1966年出生于湖北武汉，1989年6月毕业于中国美术学院油画专业，获学士学位，同年任教于湖北美术学院；2008年6月毕业于湖北美术学院油画专业，获艺术硕士学位；现任湖北油画艺术委员会副主任，硕士研究生导师，湖北美术学院教授、美术馆馆长，湖北省十二届政协常委。
